日本映画4大巨匠、溝口、小津、成瀬、黒澤

［はじめに］

4大巨匠の映画の特徴を大ざっぱに言うと、

溝口健二＝「社会の中で虐げられる人間、とりわけ女性を、長い時間と空間の中で捉える」

小津安二郎＝「家族の日常と人生の無常を、極限まで純化された形式で描く」

成瀬巳喜男＝「人間関係のどうしようもなさを、日常の細部から描く」

黒澤明＝「激しく動く世界の中で、人間はいかに生きるべきかをドラマとして描く」

次にそれぞれの監督の経歴、映画の特徴、代表作、与えた影響などをみていきます。

［溝口健二 その1］

溝口健二（1898–1956）

① 経歴・受賞歴
1898年、東京生まれ。青年期には画家を志し、黒田清輝の葵橋洋画研究所にも学んでいます。
1920年、日活向島撮影所に入り、1923年『愛に甦る日』で監督デビュー。関東大震災を契機に京都へ移り、1920～30年代には社会派作品、女性映画、文芸映画などを次々と発表しました。

特に1936年の
『浪華悲歌』
『祇園の姉妹』
で第一の頂点に達します。
戦後は、
『西鶴一代女』（1952）
『雨月物語』（1953）
『山椒大夫』（1954）
によって世界的評価を確立。
この3作品が3年連続でヴェネチア国際映画祭で受賞するという異例の成果を挙げました。

1956年、『赤線地帯』を最後に58歳で死去。
② 映画の特徴
最大の特徴は「空間」と「時間」
溝口の映画を一目で分からせるのが、
長回し＋移動撮影＋ロングショット
です。
ハリウッド的な映画では、
顔 → 顔 → 顔 → 台詞 → 反応
と細かく切って心理を説明します。
ところが溝口は、人物を遠くから捉えたまま、カメラを横に移動させたり、人物が画面の中を移動したりする。
その結果、
「人物の心理をアップで説明する」のではなく、「人物が置かれている社会的・空間的状況そのものを見せる」
ことになります。
BFIも、溝口の特徴を「精緻なトラッキングショット」「深い焦点」「長回し」と位置づけています。

テーマ
圧倒的に重要なのが、
女性と社会
です。
遊女、芸者、妻、母、娘などが、家父長制、貧困、身分制度、男性社会によって翻弄される。
しかし溝口は単純な「女性はかわいそう」という映画にはしません。
むしろ、
個人の善悪を超えて、人間をそのように追い込む社会構造
を描きます。
そのため、溝口映画では「悪い男」よりも男も女も逃げられない社会そのものが巨大な敵として存在します。

［溝口健二　その2］
編集
面白いのは、溝口は「編集で感情を作る」より、
編集を減らして、時間そのものを経験させる
方向へ進んだことです。
一つのショットの中で人物が動き、関係が変化する。
したがって、観客は「編集された情報」を受け取るのではなく、その場に立ち会っている感覚を得ます。
美術・撮影・音楽
溝口はスタッフへの要求が非常に厳しい完全主義者でした。
特に、
撮影＝宮川一夫
美術＝水谷浩
音楽＝早坂文雄
脚本＝依田義賢
という強力な「溝口組」が形成されました。�
国立美術館
『雨月物語』などの映像には、日本画・水墨画・能・古典芸能を思わせる幽玄性があります。
③ 代表作
『祇園の姉妹』（1936）
芸者姉妹を通して、京都・祇園の男性中心社会を描く。
非常に現実的で、溝口の社会派としての本質が最もよく出ています。
『残菊物語』（1939）
歌舞伎役者と女性の悲恋を描く。
芸道と女性の犠牲を結びつけた作品で、溝口の長回しの美学が成熟します。
『西鶴一代女』（1952）
田中絹代演じる女性の人生を、若い娘から老女まで追う。
一人の女性の人生そのものを通して、封建社会の女性差別を描いた作品。
『雨月物語』（1953）
戦乱の中で欲望に取りつかれた男たちと、その妻たちを描く。
現実と幻想が溶け合い、溝口映画の映像美・幽玄性・女性観が最高度に融合した傑作です。
『山椒大夫』（1954）
奴隷として売られた姉弟と母の物語。
「人間の尊厳とは何か」という普遍的テーマに到達します。
④ 影響と評価
溝口は日本映画を「日本的な珍しい映画」としてではなく、世界映画の最高水準の映画芸術として認識させた一人です。
特にフランスのヌーヴェルヴァーグ、ゴダール、リヴェットらから強く評価されました。
さらにタルコフスキー、アンゲロプロスなどにも影響を与えています。国立映画アーカイブも、溝口の影響が世界の映画作家に及んだことを指摘しています。

［小津安二郎　その1］

小津安二郎（1903–1963）

① 経歴・受賞歴
1903年、東京生まれ。
1923年、松竹蒲田撮影所に入社。
1927年『懺悔の刃』で監督デビュー。
戦前は喜劇や青年映画なども撮りましたが、1930年代後半から「家族」を中心とする映画へ。
代表作は、
『晩春』（1949）
『麦秋』（1951）
『東京物語』（1953）
『早春』（1956）
『秋日和』（1960）
『秋刀魚の味』（1962）
など。
海外では長く知られていませんでしたが、『東京物語』が1957年のロンドン映画祭で上映され、サザーランド賞を受賞。その後、世界的な評価が急速に高まりました。

② 映画の特徴
小津は4人の中でもっとも形式を徹底的に制御した監督です。
「動かないカメラ」
有名なのが、
低いカメラ位置
です。
畳に座った人間の目線に近い高さ。
さらに、
パンをほとんどしない
ズームを使わない
カメラ移動を極端に抑える
正面性の強い構図
ほぼ一定のショット時間
という独自の文法を作りました。
「小津カット」
ハリウッド映画のような、
A「こんにちは」
↓
B「こんにちは」
という視線の連続性を意図的に崩します。
いわゆる180度ルールやアイライン・マッチに縛られない編集を行う。
さらに人物の会話の間に、
煙突
廊下
瓶
電車
街並み
空の部屋
などを挿入する。
これが有名な「ピローショット」です。
BFIも、小津がハリウッド的な視線編集を捨て、独自の構図とカットの方法を発展させたことを指摘しています。

テーマ
一見すると、
「何も起こらない映画」
です。
しかし実際には、
親が老いる
子供が結婚する
家族が離れる
人が死ぬ
時代が変わる
という、人間にとって最も重大な出来事を描いています。
小津は「事件」をドラマにしません。
時間そのものをドラマにする。
ここが最大の特徴です。
そして中心にあるのが、
家族の崩壊と無常
です。
ただし小津はそれを悲劇的に叫ばない。
「そういうものだ」と受け入れる。
ここに「もののあはれ」に通じる感覚を見出す評論家もいますが、BFIは過度に禅や「もののあはれ」という日本趣味だけで小津を説明することには注意を促しています。

［小津安二郎　その2］

音楽・美術
小津の美術は極めて日常的。
しかし、
配置が異常なほど精密
です。
ちゃぶ台、柱、障子、瓶、時計、衣服などが画面の幾何学を構成します。
音楽も感情を過剰に誘導しません。
むしろ、
映像と音楽の「ずれ」
を利用する。
例えば悲しい場面で悲しい音楽を流すのではなく、場面の前後に音楽を置くことで感情を観客に委ねる。
③ 代表作
『晩春』（1949）
父と娘。
娘の結婚によって二人の生活が終わる。
小津映画の基本形です。
『麦秋』（1951）
家族の結婚と離散を描く。
「家族は永遠ではない」という小津の思想が非常に明瞭。
『東京物語』（1953）
尾道から東京へ老夫婦が子供たちを訪ねる。
しかし子供たちは仕事や家庭で忙しく、親を十分に構ってくれない。
そして母が死ぬ。
これは単純な「親不孝」の映画ではありません。
親子は互いに愛しながら、同時に互いの人生を生きるしかない。
その残酷さと優しさを描いた映画です。
④ 影響と評価
現在では世界映画史上屈指の監督。
ヴェンダース、ジャームッシュ、ホウ・シャオシェン、アッバス・キアロスタミなど、多くの映画作家が小津を評価しています。
ただし重要なのは、
「小津の真似をする」のは非常に難しい
ということ。
小津の形式は単なる「ローアングル＋固定カメラ」ではなく、
構図
編集
台詞
間
俳優の動き
美術
音
のすべてが一つの文法になっています。

［成瀬巳喜男　その1］

成瀬巳喜男（1905–1967）

① 経歴
1905年、東京生まれ。
1920年代から映画界に入り、1930年に『チャンバラ夫婦』で監督デビュー。
戦前から女性映画・庶民映画を撮り、戦後、
『めし』（1951）
『稲妻』（1952）
『妻』（1953）
『晩菊』（1954）
『浮雲』（1955）
『流れる』（1956）
『女が階段を上る時』（1960）
『乱れる』（1964）
などを発表。
特に林芙美子作品の映画化で高く評価されました。国立映画アーカイブも成瀬を「文芸映画」「女性映画」の第一人者と位置づけています。

② 映画の特徴
成瀬は小津と比較されます。
どちらも、
普通の人々の日常
を撮るからです。
しかし、実はかなり違います。
小津＝「人生はそういうものだ」
成瀬＝「分かっている。でも、どうしてもそうできない」
ここが大きな違いです。
成瀬映画の人物は、
別れたいのに別れられない
愛していないのに一緒にいる
お金がない
家族から逃げられない
過去を捨てられない
という状態にいます。
つまり、
「人生の袋小路」
が成瀬の最大のテーマです。
BFIは成瀬を「チェーホフ的アイロニー」の作家と表現し、幸福を求めても容易には到達できず、物語が明快な解決を拒む点を特徴として挙げています。

演出
成瀬は小津ほど形式を前面に出しません。
むしろ、
「形式を消す」ことによって現実感を作る
監督です。
カメラも動く。
編集も比較的速い。
人物の感情を説明する大仰な演出も避ける。
だから一見すると「普通の映画」に見える。
しかし実は、
カットとカットの間に感情を隠している。
これが成瀬の凄さです。

［成瀬巳喜男　その2］

「成瀬の映画は川のようだ」
黒澤明は、成瀬の映画について、
「表面は静かな深い川のようだが、その底では激しい流れがある」
という趣旨の有名な評を残しています。
これは非常に正確です。BFIもこの黒澤の比喩を紹介しています。

③ 代表作
『めし』（1951）
夫婦の日常生活の倦怠。
事件はほとんど起きない。
しかし「結婚とは何か」が浮かび上がります。
『浮雲』（1955）
成瀬の最高傑作とされることが多い作品。
高峰秀子と森雅之。
戦時中に愛し合った男女が、戦後になって再会する。
しかし男には妻がいる。
二人は何度も離れようとする。
それでも離れられない。
「愛しているから一緒にいる」のではなく、「愛してしまったから離れられない」
という、人間の業を描きます。
国立映画アーカイブも『浮雲』を成瀬の代表作とし、キネマ旬報ベスト・テン第1位だったことを記録しています。

『流れる』（1956）
芸者置屋の女性たちを描く。
女性の人生、経済、老い、男への依存などが複雑に絡み合う。
④ 影響と評価
成瀬は日本では非常に高く評価されていますが、海外では小津・黒澤・溝口ほど早くから知られていませんでした。
そのため現在では、
「過小評価されてきた巨匠」
という再評価が進んでいます。
BFIも、かつて黒澤・小津・溝口と並ぶ「黄金時代の四大監督」と見なされながら、近年まで海外で作品が十分に紹介されてこなかったと指摘しています。
フランスの映画監督レオス・カラックスは成瀬のファンで、当時の恋人女優のジュリエット・ビノッシュと高峰秀子を訪ねて来日しています。

［黒澤明　その1］

黒澤明（1910–1998）

① 経歴・受賞歴
1910年、東京生まれ。
もともとは画家を志しました。
1936年、P.C.L.映画製作所に入り、山本嘉次郎の助監督を務めます。
1943年『姿三四郎』で監督デビュー。

代表作は、
『酔いどれ天使』（1948）
『野良犬』（1949）
『羅生門』（1950）
『生きる』（1952）
『七人の侍』（1954）
『蜘蛛巣城』（1957）
『用心棒』（1961）
『天国と地獄』（1963）
『赤ひげ』（1965）
『影武者』（1980）
『乱』（1985）
など。

主な国際的受賞
年
作品
賞
1951
『羅生門』
ヴェネチア金獅子賞
1952
『生きる』
ベルリン銀熊賞
1954
『七人の侍』
ヴェネチア銀獅子賞
1959
『隠し砦の三悪人』
ベルリン銀熊賞（監督賞）
1974
『デルス・ウザーラ』
モスクワ映画祭グランプリ
1980
『影武者』
カンヌ・パルム・ドール
1990
黒澤明
アカデミー名誉賞
京都賞の公式プロフィールにも主要受賞歴がまとめられています。

② 映画の特徴
4人の中で最も、
「映画は娯楽である」
ことを意識した監督です。
しかし娯楽の中に哲学を入れる。
テーマ
中心にあるのは、
人間はいかに生きるべきか
です。
『生きる』なら、
死を目前にした人間はどう生きるか。
『七人の侍』なら、
他人のために命を懸けることに意味はあるか。
『赤ひげ』なら、
人間は他者を救えるか。
つまり黒澤は、
倫理的な人間ドラマ
を作っています。
演出
黒澤の特徴は、
動き
モンタージュ
天候
音
集団演出
です。
例えば『七人の侍』の雨。
単なる雰囲気ではありません。
雨そのものがドラマを動かす。
泥、雨、馬、刀、人間の動きを同時に画面に入れる。
京都賞も、黒澤の「激しい表現」が主題と深く結びついていることを評価しています。

［黒澤明　その2］

編集
黒澤は編集を非常に重視しました。
特徴的なのが、
アクション・カット
です。
人物が刀を振る。
↓
別の角度。
↓
別の人物。
↓
刀が当たる。
というように動きを細かく分割する。
これによって観客は「実際の時間」以上のスピードを感じる。
また、
ワイプ、ジャンプ的な編集、動作によるカット
などを大胆に使用しました。
音楽
早坂文雄とのコンビが特に重要です。
『羅生門』で中世日本の物語にラヴェルの『ボレロ』を思わせる音楽を使用したことは有名。
国立映画アーカイブも、早坂の音楽を『羅生門』の革新性を支えた重要な要素として挙げています。

③ 代表作
『羅生門』（1950）
一つの殺人事件を、
男
女
盗賊
木こり
がそれぞれ違う形で証言する。
つまり、
真実とは何か？
という映画です。
「羅生門効果」という言葉が生まれたほど世界映画に影響を与えました。

『生きる』（1952）
役所の課長が癌を知る。
それまで何十年も「生きているだけ」だった男が、死を前にして初めて人生を生き始める。
黒澤の人間主義が最も純粋に表れた作品です。
『七人の侍』（1954）
農民を守るために7人の侍が集まる。
単なる時代劇ではなく、
「他人のために生きるとは何か」
を描いた作品。
後の西部劇、アクション映画、戦争映画などに極めて大きな影響を与えました。
『用心棒』（1961）
一人の浪人が二つの悪党集団を対立させる。
黒澤映画の「娯楽性」が頂点に達した作品。
セルジオ・レオーネの『荒野の用心棒』など、世界の映画に直接的な影響を与えています。
④ 影響と評価
4人の中で、世界の映画産業そのものに最も直接的な影響を与えたのは黒澤でしょう。
『羅生門』によって日本映画が世界に発見されました。
国立映画アーカイブも、『羅生門』が日本映画の国際的評価を確立し、日本映画の水準を世界に知らしめたとしています。

さらに、
スピルバーグ
ルーカス
コッポラ
スコセッシ
レオーネ
ペキンパー
ジョン・ミリアス
など、世界中の映画作家に影響。
『七人の侍』→『荒野の七人』
『用心棒』→『荒野の用心棒』
など、リメイク・翻案も多数あります。

［まとめ　4人の違いを一言で言うなら］

溝口
「人間は社会から逃れられない」
小津
「人間は時間から逃れられない」
成瀬
「人間は自分自身から逃れられない」
黒澤
「それでも人間は生きなければならない」

この4人は同じ「人間」を撮っているのですが、人間を縛っているものが違うのです。
そして映画表現として見ると、

溝口＝空間
小津＝時間
成瀬＝心理
黒澤＝運動
という整理もできます。

これはかなり本質的な違いです。
特に興味深いのは、成瀬が小津と溝口の中間にいるように見えることです。小津と同じように日常を撮りながら、溝口のように女性の社会的境遇を描く。しかし、溝口ほど壮大な様式美には行かず、小津ほど形式を固定しない。その結果、「目立たないのに恐ろしく深い映画」になっています。BFIが成瀬を「小津、溝口、黒澤と同等に評価されるべき存在」と再評価しているのも、この独自性によるものです。

また、4人の国際的な「発見」の順番も面白く、黒澤の『羅生門』が1951年にヴェネチアで金獅子賞を獲得したことが、日本映画全体を世界に開く扉になり、その後、溝口、小津、そして成瀬が再発見されていったという歴史があります。